Perché The Handmaid’s Tale è diventato più inquietante dell’ultima stagione di Black Mirror -. Articolo di Fabiana Lupo

Revue Cinema Sezione diretta da Fabiana Lupo

Perché The Handmaid’s Tale
è diventato più inquietante
dell’ultima stagione
di Black Mirror

Articolo di Fabiana Lupo

Il fenomeno Black Mirror è ormai consolidato nell’immaginario del series addicted come il racconto di una realtà distopica che sembra essere alle porte e di cui tutti temono le conseguenze. La sua fama è dovuta infatti al suo carattere “profetico” e al suo generare una sorta di rigetto totale nei confronti di una tecnologia che invade ogni ambito della vita.

Tuttavia l’ultima stagione pecca di mancanza di originalità e, forse, di quell’ispirazione iniziale che ha reso la serie un cult dell’ultimo decennio. Superata la novità delle prime due stagioni, in cui il mondo raccontato, nuovo e perturbante, si avvicina di più a un futuro assurdo ma possibile, l’ultima stagione sembra essere scaduta in un racconto dell’esasperazione tecnologica del presente.

I nuovi mediometraggi autoconclusivi tendono ad appiattirsi su un presente storico che a tutti gli effetti sembra molto più vicino all’irreale messo in scena. Il motivo per cui la linea di demarcazione tra i due mondi, quello della realtà e quello di finzione, tende ad assottigliarsi è probabilmente da individuare nell’eccessiva inclinazione del primo a invadere il campo del secondo.

Ed è forse anche per questo che l’ultima stagione di Black Mirror, rispetto alle prime due soprattutto, risulta meno inquietante e coinvolgente. L’episodio Arkangel per esempio, durante il quale una madre controlla lo stato di salute e i movimenti della figlia attraverso un apparecchio impiantatole nel cervello, non risulta poi così scioccante. Ogni genitore oggi ha la possibilità di geolocalizzare il proprio figlio attraverso lo smartphone, oscurare i contenuti virtuali a lui accessibili sul tablet e creare così un mondo utopico in cui blurare le volgarità della vita reale.

L’apprensione parentale è esasperata in questo caso da una tecnologia fisicamente invadente che, forse, se esistesse davvero, non sarebbe poi per nulla sgradita a quelli che in inglese sono definiti helicopter parents. Gli episodi Cocrodile e Hang the DJ invece non sembrano aggiungere niente di nuovo a quello che quasi quindici anni fa Michel Gondry mise in scena in Eternal Sunshine of the Spotless Mind: frugare tra le rappresentazioni mnemoniche di una mente restia a cancellare, nel primo caso; nel secondo, rompere le regole di un sistema, quello del dating virtuale, in cui la logica del calcolo digitale prevale su quella emozionale.

Nel caso di Gondry, il mondo in questione era quello inconscio e ancor più inquietante dei sogni, e la logica messa in campo quella del Super-Io, ma in ogni caso cambiando gli ordini dei fattori il risultato non cambia. Irrilevante e banale l’episodio Metalhead, durante il quale una donna è seguita da un cane-droide con il solo scopo di eliminarla: girato in bianco e nero per cercare di richiamare visivamente un’atmosfera cyberpunk, la storia non si carica però mai di quell’immaginario violento e ribelle a cui si ispira.

Al limite con il grottesco la scena in cui la protagonista, seduta su un albero, sfinisce la batteria del robot lanciandogli dall’alto delle caramelle. I due episodi più riusciti sono sicuramente USS Callister e Black Museum: il primo ispirato alla science fiction sulla falsa riga di Stark Trek, il secondo ambientato in un museo degli orrori in cui sono raccolti i cimeli tragici dell’intera serie. Gli episodi sembrano non far parte di questa stagione proprio perché la loro narrazione si riferisce a un tempo a sé, sì distopico ma visivamente ispirato a generi e mondi già esistenti.

Quello che invece quest’anno spaventa davvero e che rimane fortemente impresso, non è infatti un prodotto futuristico, ma una serie che si potrebbe definire “passatista”, medievale per quanto riguarda le tematiche trattate, ma altrettanto distopica e ancor più terrificante. Non una serie 2.0 quindi, ma una, oserei dire, datata a.C., o meglio oscurantista. Sarà perché intorno a noi il mondo sta cambiando, sarà perché i populismi riscuotono un successo senza precedenti, sarà perché il razzismo e la discriminazione sembrano aver trovato nuovamente terreno fertile. Ma è indubbio che la seconda stagione di The Handmaid’s Tale lascia una ferita aperta nella memoria degli spettatori.

Tratta dal romanzo di Margaret Atwood, la storia è ambientata in un tempo futuro indefinito ma non tanto lontano dal nostro, durante il quale la dittatura teocratica di Gilead prende il sopravvento trasformando gli Stati Uniti in uno stato chiuso e autosufficiente. Il sistema sociale del nuovo governo si nutre come un parassita di un problema che attanaglia l’umanità: l’infertilità generale e, di conseguenza, il calo demografico mondiale.

Come in I figli degli uomini, magistrale racconto di un mondo in cui gli esseri umani hanno ormai perduto ogni capacità riproduttiva, durante tutta la serie si respira quel clima di segregazione e di oppressione a cui le “ancelle” sono obbligate a sottostare: queste sono le uniche capaci di partorire, considerate dei contenitori di vita e che diventano degli scrigni preziosi solo quando i loro corpi sono gravidi.

Gli uomini, i teocrati del nuovo governo, decidono di come disporre delle donne, a cui viene tolta ogni capacità acquisita nel corso della loro vita, come la lettura e la scrittura, e ogni atto sociale sessualmente provocatorio, come quello della sigaretta. Le ancelle, tutte vestite di rosso con copricapo bianco, sono considerate il prolungamento fisico delle donne nobili per cui sono al servizio, queste ultime tutte in abito turchese per nascondere ogni segno di sensualità femminile.

La protagonista, June, interpretata da una straordinaria Elisabeth Moss, è “ospite” in casa di Serena e di Fred Waterford, comandante del governo di Gilead: rapita e allontanata dal marito Luke e dalla figlia Hanna, la donna viene privata della sua identità e del suo stesso nome, diventando così Offred (Difred nella traduzione italiana), ovvero un complemento di specificazione riferito all’uomo a cui da quel momento in poi apparterrà.

La figura della donna nella serie viene spezzettata in mille possibili terminazioni nervose, ognuna delle quali costretta a percepire stadi di dolore e di sofferenza diversi. La forza che le accomuna tutte è quell’istinto primordiale di sopravvivenza e quell’appartenenza a un genere, quello femminile, che rischia di essere annientato nel suo essere altro, “diverso” rispetto a quello predominante. Oltre alle “ancelle”, esistono le “marte”, delle donne ormai troppo mature per poter concepire e che si occupano principalmente delle faccende domestiche.

Ci sono le “zie”, le depositarie della legge, asservite totalmente alla dittatura patriarcale di Gilead, il cui compito è istruire le ancelle affinché il loro percorso di redenzione possa culminare nell’unico scopo della loro vita, il parto. E poi ci sono le “mogli”, le donne sposate agli uomini di potere, che hanno accettato di essere “degenerate”, ovvero allontanate dalla loro identità di genere, e per questo del tutto incapaci di provare fisicamente le gioie e i dolori del parto: la preparazione dell’atto del concepimento diventa così una messa in scena affinché anche loro, oltre alle loro ancelle, possano lontanamente sentire la sensazione a loro ignota dell’essere portatrici di vita.

Scioccante, quasi contro natura, la scena durante la quale Serena Waterford prova ad allattare con il suo seno secco la bimba datale da June, quest’ultima allontanata dalla casa e costretta, come un animale, a estrapolare dal seno il suo latte con un macchinario meccanico.

In maniera diversa, seppur appartenenti tutte alla stessa categoria, le donne sono accomunate da un destino tragico che le allontana dal loro essere spontaneamente donna. Pensiamo al personaggio di Emily, per esempio, interpretato da Alexis Bledel, una donna lesbica la cui famiglia, composta da moglie e figlio, riesce ad allontanarsi da Gilead prima che le frontiere venissero chiuse: alla donna, rimasta intrappolata in una società che considera l’omosessualità un atto innaturale, le viene chirurgicamente tolto il clitoride in modo tale da poter comunque assurgere pienamente al suo ruolo di ancella.

La serie rimane impressa non solo per la potenza della storia e dei personaggi femminili di cui è composta, ma anche per il suo tratto visivo chiaramente espressivo e carico di chiaroscuri che a volte danno all’immagine un forte marchio caravaggesco. I colori sembrano così intagliarsi sul dipinto del fotogramma e le macchie di rosso delle ancelle sono per lo spettatore, come gocce di sangue, un colpo all’occhio. Gli interni sono spesso immersi nella penombra, illuminati da forte un fascio di luce che proviene quasi sempre dall’esterno: il mondo interiore della protagonista si connota esteriormente di ombre più o meno cariche, illuminato e riscaldato da un debole sole lontano, probabilmente la speranza di un domani migliore.

Insomma, impossibile rimanere indifferenti ad una serie che, seppur oscurantista, sembra prevedere itinerari forse più probabili di una stagione di Black Mirror. La domanda che spaventa è quindi questa: è dunque possibile oggi essere così terrorizzati dalla spietatezza dell’uomo? The Handmaid’s Tale risponde con la messa in scena di un’esasperazione, non così lontana probabilmente dalla realtà.

Fabiana Lupo

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